Les Reines Prochaines

Skinny Bird

Pre Opening Act

Skinny Bird gibt den allerfeinsten Öko-Punk zum Besten. Durch ihre selbstgemachte Ästhetik aus Kartonagen, ist die als Konzert getarnte Performance wahrlich ein recycletes, ganzheitliches Spektakel! Ihre Songs und Geschichten sind direkt aus dem Leben gegriffen und laden ein zum Mitsingen und Mitmachen. Selten dauern ihre Lieder länger als 30 Sekunden. Debora Gerber und Sarah Büchel inszenieren diese gekonnt in Punkmanier: Wenn etwas schief läuft, gehört es zum Programm! Was dilettantisch wirkt, ist es auch – aber dies mit grosser Professionalität.

Les Reines Prochaines 

Opening Act

Das Konzertprogramm der Reines umfasst Songs aus dem aktuellen Album «Scissor*hood», performativen Nummern und typographischen Projektionen aus der hauseigenen Videoküche. Sie schneidern sich die Welt! Schere steht für Fertigkeit und Tatendrang, für unabhängiges selbstbestimmtes Arbeiten und Leben, dazu braucht es eine Schere, denn sie ist das Rüstzeug fürs Selbermachen. Scisser*hood meint Schwesternschaft mit Schere und scherige Schwesternschaft bedeutet gemeinsames Tun und wissen wie.

BIG ZIS & BIG HUG EXPERIENCE

Album Release «Big Hug»

Mit Big Hug veröffentlicht die Schweizer Rap-Ikone BIG ZIS ein kollaboratives Musikprojekt. Aufbauend auf dem Vorgängeralbum B:I:G – Bitte in Gross (2024) entstand in enger Zusammenarbeit mit über 23 Künstler*innen aus unterschiedlichen Generationen und Szenen ein neues, eigenständiges aber kollaboratives Werk. Retrospektiv wie visionär vereint das Album Rap, Pop, Punk, Doom Metal und sogar Noise, sprengt jegliche Genrebegrenzungen und macht damit ein vielstimmiges, widerständiges Netzwerk prägender Tinfas* der Schweizer Musikszene sichtbar. Dem DIY von BIG ZIS wird das Do-it-Together (DIT) of the Future entgegengesetzt. Neue Formen einer widerständigen aber pluralen Sprache für Schweizer Musik werden erprobt. Mit Orchester und Icons wie Radon, Les Reines Prochaines, Eto*, Fatima Moumouni, Ester Poly, Jessica Jurassica (und vielen mehr) wird die Moods Bühne gestürmt. It&#x27;s Takeover Time, It&#x27;s BIG HUG Time! Die Zürcher Rapperin Big Zis mischt bereits seit Ende der 90er Jahre mit schlauen Texten, lustigen Punchlines und provokativer Attitüde das männerdominierte Schweizer Rap-Game auf. Sie hat mehrere Alben aufgenommen, ein preisgekröntes Musikvideo gedreht, von Antifademo bis Hochkulturinstitution so ziemlich jede Schweizer Bühne bespielt und den Schweizer Musikpreis 2020 sowie 2021 den Zürcher Kunstpreis bekommen. Musikalisch verbindet sie Hip-Hop mit Jazz, Punk und Improvisation in eine wortgewaltige und zugleich tanzbare Rebellion gegen längst überholte gesellschaftliche Normen und die patriarchale Ordnung und liefert damit ein dringliches, cleveres, humorvolles und provokantes Werk, das so in der Musiklandschaft schweiz einzigartig da steht.

DJ Grrrl in the Garage

Warm Up & Afterparty

Aufgewachsen im industriellen Sheffield in Nordengland, mit indischen und steirischen Elternteilen. Da fing der Mix an. Die 90er verbrachte sie in Liverpool und Berlin, in Kellern, Hinterhöfen und auf Dächern. Crossfade. Und landete in den Nullerjahren im Alpenraum. So muss man sich das ganze auch musikalisch vorstellen. Oder subkulturell; und queer. «Puh, it’s all mixed up, but I think you’ll like it!»

DJ Scarlett

Afterparty

Seit 2010 bringt Scarlett Stimmen zum Klingen, die im Partybusiness aus machtstrukturellen Gründen wenig Gehör finden – vorwiegend Stimmen von Frauen, Queers und Transpersonen, die jenseits der hegemonialen Tonspur spielen. Obwohl sie in verschiedensten sonoren Milieus zuhause ist, lässt sie sich vor allem von den vielseitigen Ausdrucksformen des Rap leiten. Rap wird dabei weniger zum Genre als zu einer resonierenden Verstrickung, das Stimmen verbindet und empowernde Allianzen stiftet. Scarlett versteht sich als vermittelnde Kuratorin von DJ-Sets, die bevorzugt Orte bespielt, an denen Musik nicht nur wahrgenommen, sondern als politisches und poetisches Material erlebt wird. Ihre Arbeit oszilliert zwischen Archiv, Bühne und Versuchsanordnung – in dem marginalisierten Perspektiven nicht nur hörbar werden, sondern Raum beanspruchen.

Gesang

Chip Wickham

Chip Wickham ist ein Grenzgänger zwischen Clubkultur und Jazz, geprägt durch frühe Kollaborationen mit The Pharcyde, Nightmares on Wax oder Matthew Halsall. Seine Musik lebt von emotionaler Klarheit, spielerischer Offenheit und stilistischer Vielfalt – getragen von Flöte, Saxophon und einem hochkarätig besetzten Ensemble aus der britischen Jazzszene. Im Moods präsentiert Wickham sein neues Album «The Eternal Now» (2025, Gondwana Records), eine Hommage an den schöpferischen Moment jenseits von Zeit – eine Reise in neue klangliche Räume mit Anleihen bei Lonnie Liston Smith oder David Axelrod. Co-produziert von Matthew Halsall, ist es Wickhams bisher experimentierfreudigstes Werk – ein Album, das durch Verspieltheit, emotionale Tiefe und musikalische Weite beeindruckt.

Saxophon

Flöte

Gitarre

Piano

Fender-Rhodes E-Piano

Bass

Schlagzeug

Espuma Antigua

Espuma Antigua, das ist der antike Schaum, der aus den Tiefen des Meeres alte Musik hervorholt und sie an den Strand der Gegenwart zurückbringt, vom Wind und Salz verweht, für die Ohren von heute. Die Vergangenheit und die Gegenwart in einem elektronischen und sanften Cocktail miteinander in Dialog zu bringen, das ist das Ziel des Quartetts unter der Leitung der Genfer Musikerin Flora Ageron. Im Oktober 2021 erschien ihr erstes Album «Spleen baroque», das den vergessenen Komponistinnen des 17. Jahrhunderts gewidmet war. Ihr neues Album «Continuo» ist eine Hommage an die Erde und die traditionelle Kultur, an repetitive und bezaubernde Melodien, die wie endlose Geschichten sind, welche man sich im Sommer unter dem Sternenhimmel im Garten erzählt. Espuma Antigua stöbert im Barockrepertoire, sucht nach Schätzen und lässt sie an unerwarteten Orten wiederaufleben. Die Gruppe trat unter anderem beim Cully Jazz Festival, La Cité, Lavaux Classic, Jazz au Peuple und im Alhambra (Genf) im Rahmen des Festival de la Bâtie auf.

Sara El Hachimi Quintet

Sara El Hachimis Musik verbindet Jazz- und Singer-Songwriter-Elemente und ist geprägt von Experimentierfreude. Inspiriert von Künstlerinnen wie Samora Pinderhughes, Saya Gray, Esperanza Spalding und Wayne Shorter, steht der Ausdruck, Ehrlichkeit und Reflexion im Mittelpunkt. Die Stücke verarbeiten Emotionen und Erlebnisse durch Musik und Texte. Mit schwebender Melodik, pulsierendem Rhythmus und einer unaufdringlichen Bodenhaftung schafft das Quintett einen warmen, intimen Sound, der berührt und Raum für Entdeckungen lässt. Die Formation aus Gesang, Alt- und Tenorsax, Klavier, Synthesizer, Bass und Schlagzeug bietet eine authentische, poetische Klangwelt, die heilen und verbinden möchte. Sara El Hachimi erkennt in der Musik die Kraft der Kommunikation, die uns gegenseitig und uns selbst unterstützt. Ihre Kompositionen sind philosophisch, einladend und nie belehrend, was sie besonders authentisch macht. Das Quintett lädt ein, im Moment zu sein – menschlich, wach und nah. Ihre Musik ist ein Ausdruck von Echtheit und emotionaler Tiefe, die das Publikum berührt und zum Nachdenken anregt.

Cello

JazzBaragge Wednesday Jam

Tuesday Jam @ JazzBaragge

Der JazzBaragge Wednesday Jam bietet eine wichtige Plattform für die Schweizer Jazz Jam Szene. Nach dem musikalischen Auftakt der Jam Band beginnen lebhafte und spannende Tongespräche zwischen Musikerinnen &amp; Musiker, welche spontan auf der Bühne aufeinandertreffen und so die Vielfalt des Jazz in allen Facetten widerspiegeln. Der JazzBaragge Wednesday Jam wird durch den gemeinnützigen Verein JazzBaragge getragen. Für die JazzBaragge gibt es keinen Vorverkauf, sondern nur Abendkasse.

Marc Ribot Solo

Der geheimnisvolle Gitarrist Marc Ribot hat sechs sehr unterschiedliche Solo-Gitarrenalben veröffentlicht, darunter John Zorns «Book of Heads», «Plays the Works of Frantz Casseus», «Saints», «Don’t Blame Me», «Exercises in Futility» und «2010&#x27;s». «Silent Movies» auf Pi Recordings wurde von der Village Voice als «atemberaubendes Meisterwerk» beschrieben und landete auf mehreren Bestenlisten für 2010, darunter die der LA Times, und wurde von Kritikern einhellig gelobt. Seine Live-Soloauftritte sind unvorhersehbare Ereignisse, die sich auf all diese Elemente oder auch auf keines davon stützen können und eine Klangmatrix aus Erinnerung, freier Improvisation, Zeitgeist und ausserirdischen Radiosignalen schaffen – und den Zuhörer stets in Atem halten.

Dub Spencer & Trance Hill

SYNCHRONOS Tour – Live in Dub Surround – Mixed by Umberto Echo

Der Name ist Programm: Dub Spencer &amp; Trance Hill katapultieren handgespielten Dub in galaktische Sphären. Die vier Musiker jagen Bässe durch Delay-Universen, zünden Orgel- und Gitarrenblitze und entfesseln auf der Bühne eine Klangwelt, die hypnotisiert und mitreisst. Spätestens seit ihrer legendären Session mit dem Godfather of Dub, Lee &quot;Scratch&quot; Perry, stehen sie für kompromisslosen Dub-Sound – treibend, futuristisch und mit einer Live-Energie, die ihresgleichen sucht. Über 400 Konzerte von Portugal bis Estland zementieren ihren Ruf als eine der besten Dub-Livebands Europas. Drummer Julian Dillier liefert Beats mit der Präzision eines Schweizer Chronometers, während Bassist Masi Stalder vibrierende Tiefdruckwellen darunterlegt. Keyboard- und Effektvirtuose Philipp Greter schraubt Echo-Spiralen in den Raum, die jedes Hirn verknoten, und Michael Bucher feuert Gitarrenriffs wie Laserbahnen über die Menge. An den Reglern verdichtet Sound-Alchemist Umberto Echo das Geschehen zu einem 360°-Mix, der aus allen Richtungen trifft. Ihre Remixe? Eine Fusion aus Spiellust und akustischer Sorgfalt – veredelt durch Kollaborationen mit den britischen Elektro-Ikonen Gaudi, Tim Bran (London Grammar) und Youth (The Orb) oder dem Schweizer Duo Yello – ein Upgrade mit Tiefgang. Im Herbst 2025 erscheint das neue Album Synchronos, begleitet von einer ausgedehnten Clubtour durch Mitteleuropa. Handy aus, Hirn frei – der Bass übernimmt.

Le 7è ciel – Citytunes Zürich

Severin Prothmann, der heute unter dem Namen Le 7è ciel auflegt, war ab 1991 Resident im «Club Aera» (Zürich) wie auch in der «Different Bar» (Bern). Seine Bookings führten ihn von da über eine Vielzahl von Locations in Lausanne, Neuchâtel, Luzern, Basel, Bern und Zürich bis nach Berlin. Seit 1993 produziert er unter dem Label Zoul Guru Rec. elektronische Musik und zusammen mit seiner Frau Maria ist er seit 2012 Organisator und Veranstalter von Citytunes in Zürich. Seine Liebe zur Musik fand er anfänglich über eine klassischen Ausbildung auf Klarinette, Bassklarinette sowie Saxophon und setzte sich ab seinem 13. Lebensjahr als DJ fort. Anfänglich landeten vor allem Funk, Disco und Jazz auf seinen Plattentellern, bevor er unter den ersten in der Schweiz war, die Hip Hop adoptierten. Sein Engagement für diese Kultur gipfelte in der Eröffnung des legendären «Beat Bunker», dem ersten fixen Rap-Club der Schweiz in Zürich-Nord. Der Weg als DJ führte danach von Rap über Acid Jazz zu elektronischer Musik.

Perkussion

Keyboards

Orgel

Electronics

Sounddesign

CV Vision

CV Vision lässt auf seinem 6. Studio-Album das Biest raus. Auf «Release the Beast» sucht er die perfekte Balance zwischen Psych Rock, Detroit Techno, verzerrten Synthesizern, Black Metal und Library Music – und er hat sie gefunden. Das Album wandert in verschiedene Richtungen und zeigt das musikalische Spektrum von CV Vision. Von fuzzed-out Backbeats und psychedelische Progressionen über süsse Harmonien und rohes magnetisches Rauschen bis hin zu einem Krautrock-Twist hört man alles darauf. Obwohl «Release The Beast» eine abwechslungsreiche Mischung aus Klängen und Stilen ist, zieht sich doch ein roter Faden durch das gesamte Album. Es ist auch eine Rückkehr zu rauerem Sound. Dafür griff er in die Trickkiste: «Ich habe meine beiden kaputten Tonbandgeräte ausgegraben und sie wie Frankenstein zusammengeflickt. Das ist es, was alles zusammenhält – es gibt verschiedene Musikstile, aber es ist das Tonbandgerät, das alles klanglich zusammenbringt.»

Embryo

Ungerade Rhythmen, psychedelische Soundstrukturen, Improvisationen mit dem Moment und dem Raum begleitet von hypnotischen Grooves und spontaner Dichtung – so klingt Embryo. Das einzigartige, internationale Musikkollektiv aus München existiert bereits seit 1969 und spielte bereits mit Mal Waldron, Okay Temiz, Fela Kuti, Charlie Mariano und vielen anderen. Das Kollektiv übergreift nicht nur Genres und Grenzen, sondern auch Generationen. Seit 2015 leitet Marja Burchard, Tochter des Gründers Christian Burchard, die Band, in welcher sie aufwuchs. Seitdem lebt Embryo mit ihr weiter und sucht stets nach neuen Klängen, Rhythmen und Ideen Andersdenkender. Der Spirit der 70er Jahre, Embryos Gründungsphase, hallt immer noch mit und wird von der aktuellen Besetzung ins Jetzt geholt. Als würde die Ewigkeit in ihrer Musik mitschwingen.

Hing

Hing ist das Künstlerpseudonym eines in Zürich ansässigen Musiksammlers und Kulturschaffenden. Er ist an ephimeren Projekten beteiligt und aktiv im unkommerziellen Kulturverein «Zentralwäscherei» in Zürich. Zudem hostet er die Show «Domestic Mind Wandering» auf Düsseldorfs Callshopradio.

Synthesizer

Andrea Kirchhofer & Irina Ungureanu

Andrea Kirchhofer

Die singende Geigerin Andrea Kirchhofer und die geigende Sängerin Irina Ungureanu feiern Premiere mit ihrem musikalischen Abenteuer im Duo. Auf der Suche nach Neuland, mit viel Lust am Sprachexperiment, entsteht der klingende Neubau aus zwei Geigen und zwei Stimmen, schweizerdeutsch- und englischen Texten, hier und dort setzt die E-Gitarre einen Pfeiler. Mit minimalistischem Set-up führen die beiden Musikerinnen in einen bunt-melancholischen Klangkosmos voller schriller Miniaturen, bildhaft- und leicht skurriler Songtexte, Textfragmente und einer ungezähmten Vielfalt an Geigenklängen. Der begrenzte und quasi kongruente Tonumfang von Geigen und Stimmen verlangt nach ungewohnten Arrangements und öffnet gleichzeitig Türen zu seltenen Klangwelten. Irina Ungureanu mit Hintergrund in der zeitgenössischen Musik und der rumänischen Volksmusik, schreibt seit Kurzem ihre eigenen Lieder auf schweizerdeutsch fürs Duo mit Anna Trauffer «Pelz» und für «Bondar». Andrea Kirchhofer nimmt mit der Kombination von Stimme und Violine einen Faden wieder auf, den sie bis 2018 mit ihrem Quartett/Trio Atrium verfolgte. Die beiden Musikerinnen treffen sich im Spiel mit der Sprache, ihrer Erfahrungen mit Musiktheater und neuer Volksmusik. Gemeinsam auf der Bühne stehen sie seit 2024 mit den romanischen und rumänischen Liedern des Quintetts SORAS.

Komposition

Violine

E-Gitarre

Brandee Younger Trio

Die furchtlose und vielseitig talentierte Harfenistin Brandee Younger entzieht sich kontinuierlich Genres und anderen Begrenzungen. Als klassisch-ausgebildete Musikerin bewegt sie sich in der Avantgarde Tradition visionärer Künstlerinnen wie Dorothy Ashby und Alice Coltrane. Beständig artikuliert sich Youngers frischer Zugang zum antiken Instrument in ihrer Bildungsarbeit, der Konzertkuratierung, sowie als Performerin und Leiterin des Brandee Younger Quartet. Jüngst veröffentlichte Younger mit ihrem Partner Dezron Douglas das Album «Force Majeure »auf dem Chicagoer Label International Anthem, gefolgt von ihrem 2021 Debüt «Somewhere Different» auf dem legendären Impulse!-Label. 2023 veröffentlichte sie ihr zweites Impulse! Album «Brand New Life». Younger kehrt mit ihrem neuesten Release «Gadabout Season» ins Moods zurück, begleitet von den beeindruckenden Rashaan Carter und Allan Mednard.

Harfe

E-Bass

Jubiläumsjam 

The Voice Laboratory – Vernissage & Performance

Dalia Donadio

«The Voice Laboratory»-Performance – Eine Eröffnung, ein performter Ausstellungskatalog, erste Begegnungen: Im hybriden Format zwischen Lecture Performance und Konzert werden Fragen nach Stimme und Sprache verhandelt – darunter das Kunstlied, die Songkultur, die Mythologie, die Poesie, die Lautbildung, die Sprachentwicklung sowie Praktiken der erweiterten Stimme. «The Voice Laboratory»-Ausstellung von Dalia Donadio in Kollaboration mit: Lilly Johanna Coenen, Jela Hasler, I:Am-Lab, Isabell Klara, Tobias Meier, Christoph Oeschger, Andri Schatz, Anne-Catherine Studer, Andreas Wüthrich, Dr. Salome Zwicky (SingStimm Zentrum Zürich) --- Mit «The Voice Laboratory» erforscht die Sängerin Dalia Donadio in ihrer Carte Blanche die menschliche Stimme als kulturelles, soziales und energetisches Phänomen. Im Mittelpunkt geschieht die kreisende Annäherung an ein Phänomen, das sich definitiver Erfassung entzieht – eine experimentelle Erforschung dessen, was Stimme sein könnte. «The Voice Laboratory» ist dabei Gefäss intensiver handwerklicher Bearbeitung, die sich besonders für das Dazwischen von wissenschaftlicher Forschung im Bereich der Stimmphysiologie und Erfahrungen aus der persönlichen Klangarbeit interessiert. Jenseits von Feelgood-Rhetorik und esoterischer Verklärung wird die Stimme durchmassiert, transformiert und in ihrer Vielschichtigkeit erkundet. In kollaborativer Praxis mit Musiker*innen und Kunstschaffenden u.a. aus Performance, Fotografie, Film und digitaler Kunst gestaltet Dalia Donadio die Formate Ausstellung, Performance, Workshop und Konzert. Adresse des Konzertlokals: Galerie la_cápsula, Anwandstrasse 9, 8004 Zürich

Kontrabass

AS IN PLASTIC

So unterschiedlich die einzelnen Bandmitglieder sind, so abwechslungsreich klingt die Musik der Luzerner Band AS IN PLASTIC: Sounds, die mal kratzen wie Stroh, mal an samtige Sommerabende erinnern. Krautige Riffs und polyrhythmische Spielereien treffen sich mit dubbigen Basslines und sphärischen Klängen zum gemeinsamen Reigen inmitten psychedelischer Klanglandschaften. AS IN PLASTIC spielt mit den Erwartungen des Publikums und überrascht durch harte Kontraste, schweizerdeutsches Spoken Word und nachdenkliche, zerbrechliche Passagen. AS IN PLASTIC ist ein Kollektiv: Gemeinsames Schaffen, zueinander finden, im Moment sein. Musik als Ventil, um Emotionen auszudrücken: Was können wir gemeinsam erreichen? Vereint in der Lust am gemeinsamen Musizieren: Vergnügen als politisches Statement. Energie und Hoffnung für eine bessere Zukunft.

The Voice Laboratory – Ausstellung

«The Voice Laboratory»-Ausstellung von Dalia Donadio in Kollaboration mit: Lilly Johanna Coenen, Jela Hasler, I:Am-Lab, Isabell Klara, Tobias Meier, Christoph Oeschger, Andri Schatz, Anne-Catherine Studer, Andreas Wüthrich, Dr. Salome Zwicky (SingStimm Zentrum Zürich) --- Mit «The Voice Laboratory» erforscht die Sängerin Dalia Donadio in ihrer Carte Blanche die menschliche Stimme als kulturelles, soziales und energetisches Phänomen. Im Mittelpunkt geschieht die kreisende Annäherung an ein Phänomen, das sich definitiver Erfassung entzieht – eine experimentelle Erforschung dessen, was Stimme sein könnte. The «Voice Laboratory» ist dabei Gefäss intensiver handwerklicher Bearbeitung, die sich besonders für das Dazwischen von wissenschaftlicher Forschung im Bereich der Stimmphysiologie und Erfahrungen aus der persönlichen Klangarbeit interessiert. Jenseits von Feelgood-Rhetorik und esoterischer Verklärung wird die Stimme durchmassiert, transformiert und in ihrer Vielschichtigkeit erkundet. In kollaborativer Praxis mit Musiker*innen und Kunstschaffenden u.a. aus Performance, Fotografie, Film und digitaler Kunst gestaltet Dalia Donadio die Formate Ausstellung, Performance, Workshop und Konzert. Adresse des Konzertlokals: Galerie la_cápsula, Anwandstrasse 9, 8004 Zürich

Jazzbois

Jazzbois ist ein Jazz-Hip-Hop-Fusion-Trio aus Budapest. Ihr Debütalbum «Jazzbois Goes Blunt» hatte einen starken Einfluss sowohl auf die Jazz- als auch auf die Hip-Hop-Szene und schuf eine einzigartige Fusion mit psychedelischem Einschlag, die sowohl Jazz- wie auch Beat-Liebhaber begeisterte. Ihr letztes Album «Still Blunted» erschien nach ihrem Auftritt am Montreux Jazz Festival 2024. Auf der anschliessenden Headliner-Tournee spielten die Jazzbois vor ausverkauften Häusern in ganz Europa (darunter das legendäre Jazz Cafe London). 2025 folgten Auftritte am Montreal Jazz Festival und am Cross the Tracks Festival in London sowie Headliner Shows im Londoner Kultlokal The Village Underground.

Sammy Bacca

Warm Up & Hang Out 

Sammy Bacca ist ein einfacher, entspannter Typ aus Zürich, der seine Vorliebe für gute Musik schon seit seiner Kindheit geschärft hat. Als er endlich «alt» genug war, um mit dem Sammeln von Schallplatten zu beginnen, ging es los – seine Welt wurde von Musik und Schallplatten eingenommen. Zu Hause gibts kaum einen Moment, bei dem keine Platte läuft. Seit kurzem teilt er auch einige Schätze aus seiner Plattensammlung auf Instagram – schaut doch mal rein! Mit diversen Residencies in und um Zürich und der immer noch bestehenden Verbundenheit mit der Szene vor Ort, stand er in den vergangenen 20 Jahren schon hinter diversen DJ Pulte, während er seine Skills als Selector weiter perfektioniert. Seine Sets umfassen eine Vielzahl von Genres und Perlen, die seine Geschichte erzählen.

The Voice Laboratory – Workshop & Ausstellung

Workshopleitung: Isabell Klara &amp; Dalia Donadio Teilnehmendenzahl begrenzt. Anmeldung erforderlich per Mail an donadiodalia@gmail.com Der «The Voice Laboratory»-Workshop bietet die Gelegenheit, einen anatomischen und physiologischen Einblick in das Kehlkopfsystem zu erlangen sowie die Wahrnehmung der eigenen Stimme zu erweitern. Durch individuelles und kollektives Erkunden der eigenen Stimme soll das Verständnis des Singens als ganzkörperliches Phänomen vertieft werden. Dieser Workshop findet im Ausstellungsraum statt und richtet sich an alle Stimm-Interessierten: Anfänger*innen, Fortgeschrittene, professionelle Sänger*innen, Sprechende oder schlicht Neugierige etc. Keine Vorbereitung nötig. Isabell Klara und Dalia Donadio sind Absolventinnen des Lichtenberger Studiengangs für angewandte Stimmphysiologie. Aus dem Ansatz dieser Methode pflegen sie eine gemeinsame künstlerische und pädagogische Praxis, die die Verbindung zwischen wissenschaftlichen Erkenntnissen und individueller Erfahrungen zum Phänomen Stimme untersucht. «The Voice Laboratory»-Ausstellung von Dalia Donadio in Kollaboration mit: Lilly Johanna Coenen, Jela Hasler, I:Am-Lab, Isabell Klara, Tobias Meier, Christoph Oeschger, Andri Schatz, Anne-Catherine Studer, Andreas Wüthrich, Dr. Salome Zwicky (SingStimm Zentrum Zürich) --- Mit «The Voice Laboratory» erforscht die Sängerin Dalia Donadio in ihrer Carte Blanche die menschliche Stimme als kulturelles, soziales und energetisches Phänomen. Im Mittelpunkt geschieht die kreisende Annäherung an ein Phänomen, das sich definitiver Erfassung entzieht – eine experimentelle Erforschung dessen, was Stimme sein könnte. The «Voice Laboratory» ist dabei Gefäss intensiver handwerklicher Bearbeitung, die sich besonders für das Dazwischen von wissenschaftlicher Forschung im Bereich der Stimmphysiologie und Erfahrungen aus der persönlichen Klangarbeit interessiert. Jenseits von Feelgood-Rhetorik und esoterischer Verklärung wird die Stimme durchmassiert, transformiert und in ihrer Vielschichtigkeit erkundet. In kollaborativer Praxis mit Musiker*innen und Kunstschaffenden u.a. aus Performance, Fotografie, Film und digitaler Kunst gestaltet Dalia Donadio die Formate Ausstellung, Performance, Workshop und Konzert. Adresse des Konzertlokals: Galerie la_cápsula, Anwandstrasse 9, 8004 Zürich

Mandé Sila für Familien

Habib Koité, Lamine Cissokho, Aly Keïta, Mama Koné

Habib Koité zählt zu den grossen Stars der Weltmusik. Mit Charisma und Können bringt er die reiche Musikkultur Malis einem breiten Publikum näher. Sein Gitarrenstil, inspiriert von der Ngoni-Laute, kombiniert feines Spiel mit rhythmischen Trommeln und prägt seinen besonderen Klang. Seine Lieder erzählen von Alltag, Geschichte und Gesellschaft Malis – tief verwurzelt, aber offen für die Welt. Sein neues Projekt heisst «Mandé Sila» – ein akustisches Quartett, das die Vielfalt der westafrikanischen Musikkulturen feiert. Begleitet wird Habib Koité dabei von drei virtuosen Künstlern: dem Balafon-Meister Aly Keïta (Elfenbeinküste), dem aus einer berühmten Griot-Familie stammenden Kora-Spieler Lamine Cissokho (Senegal) sowie seinem langjährigen Percussionisten Mama Koné (Mali). Gemeinsam zelebrieren sie die «Mandé Sila», den musikalischen Weg des Manding-Reiches, der die Sprachen, Kulturen und die musikalische Vielfalt Westafrikas vereint. Mandé Sila ist nicht nur ein musikalisches Projekt, sondern ein Moment der kulturellen Begegnung und Harmonie zwischen den Künstlern. Das Repertoire besteht aus Originalkompositionen, die durch die meisterhafte Beherrschung der traditionellen Instrumente und die Verschmelzung verschiedener Stile – von westafrikanischen Rhythmen über orientalische und jazzige Einflüsse – lebendig werden.

Kora

Balafon

The Voice Laboratory – Performance & Ausstellung

«The Voice Laboratory»-Performance: Isabell Klara und Dalia Donadio sind Absolventinnen des Lichtenberger Studiengangs für angewandte Stimmphysiologie. Aus dem Ansatz dieser Methode pflegen sie eine gemeinsame künstlerische und pädagogische Praxis, die die Verbindung zwischen wissenschaftlichen Erkenntnissen und individueller Erfahrungen zum Phänomen Stimme untersucht. In einer 90-minütigen Performance, in der beide klingend und fragend agieren wird das Dazwischen durch die eigenen Stimmen, den gemeinsamen Moment und die Begegnung erkundet. «The Voice Laboratory»-Ausstellung von Dalia Donadio in Kollaboration mit: Lilly Johanna Coenen, Jela Hasler, I:Am-Lab, Isabell Klara, Tobias Meier, Christoph Oeschger, Andri Schatz, Anne-Catherine Studer, Andreas Wüthrich, Dr. Salome Zwicky (SingStimm Zentrum Zürich) --- Mit «The Voice Laboratory» erforscht die Sängerin Dalia Donadio in ihrer Carte Blanche die menschliche Stimme als kulturelles, soziales und energetisches Phänomen. Im Mittelpunkt geschieht die kreisende Annäherung an ein Phänomen, das sich definitiver Erfassung entzieht – eine experimentelle Erforschung dessen, was Stimme sein könnte. The «Voice Laboratory» ist dabei Gefäss intensiver handwerklicher Bearbeitung, die sich besonders für das Dazwischen von wissenschaftlicher Forschung im Bereich der Stimmphysiologie und Erfahrungen aus der persönlichen Klangarbeit interessiert. Jenseits von Feelgood-Rhetorik und esoterischer Verklärung wird die Stimme durchmassiert, transformiert und in ihrer Vielschichtigkeit erkundet. In kollaborativer Praxis mit Musiker*innen und Kunstschaffenden u.a. aus Performance, Fotografie, Film und digitaler Kunst gestaltet Dalia Donadio die Formate Ausstellung, Performance, Workshop und Konzert.

Mandé Sila

Habib Koité zählt zu den großen Stars der Weltmusik. Mit Charisma und Können bringt er die reiche Musikkultur Malis einem breiten Publikum näher. Sein Gitarrenstil, inspiriert von der Ngoni-Laute, kombiniert feines Spiel mit rhythmischen Trommeln und prägt seinen besonderen Klang. Seine Lieder erzählen von Alltag, Geschichte und Gesellschaft Malis – tief verwurzelt, aber offen für die Welt. Sein neues Projekt heisst «Mandé Sila» – ein akustisches Quartett, das die Vielfalt der westafrikanischen Musikkulturen feiert. Begleitet wird Habib Koité dabei von drei virtuosen Künstlern: dem Balafon-Meister Aly Keïta (Elfenbeinküste), dem aus einer berühmten Griot-Familie stammenden Kora-Spieler Lamine Cissokho (Senegal) sowie seinem langjährigen Percussionisten Mama Koné (Mali). Gemeinsam zelebrieren sie die «Mandé Sila», den musikalischen Weg des Manding-Reiches, der die Sprachen, Kulturen und die musikalische Vielfalt Westafrikas vereint. Mandé Sila ist nicht nur ein musikalisches Projekt, sondern ein Moment der kulturellen Begegnung und Harmonie zwischen den Künstlern. Das Repertoire besteht aus Originalkompositionen, die durch die meisterhafte Beherrschung der traditionellen Instrumente und die Verschmelzung verschiedener Stile – von westafrikanischen Rhythmen über orientalische und jazzige Einflüsse – lebendig werden.

K.O.S Crew Dancehall Mood

Party

Dancehall Mood ist die monatliche Reggae- und Dancehall-Party im Moods. Wie jeden ersten Samstag im Monat wird die K.O.S-Crew das Moods mit heissen Riddims zum Kochen bringen. Das verspricht ein Abend voller Dancehall-Hits und Reggae-Raritäten, perfekt abgestimmt auf das jeweilige Publikum und makellos präsentiert von der K.O.S-Crew und ihrem Gast.

Alex Sipiagin Quartet

«Reverberations»

Eine Welle voll frischem, zeitgenössischem Jazz wird in Form des Alex Sipiagin Quartets auf uns zurollen. Sipiagin wird für seine messerscharfe Präzision, seinen vollen Klang und seinen unverwechselbaren Stil gefeiert. Unter der Leitung des renommierten Trompeters und Flügelhorn-Spielers schafft das Quartett einen ebenso kraftvollen wie raffinierten Sound. Nach mehr als drei Jahrzehnten in New York lebt Sipiagin heute in Italien und prägt weiterhin die Zukunft des modernen Jazz. Nach Auftritten als Gastmusiker bei Christoph Grab im Jahr 2024 und Victoria Mozalevskaya im Jahr 2025 kehrt er nun mit seinem eigenen Quartett zurück, um seine neueste Veröffentlichung «Reverberations», releast auf Criss Cross Jazz, zu feiern. Zusammen mit einer internationalen Besetzung aus Dave Kikoski, Makar Novikov und Donald Edwards garantieren ihr feuriger Stil und ihre makellose Technik ein Konzert mit reichhaltigen Texturen, pulsierenden Rhythmen und moderner Jazzbrillanz.

Trompete

Elliot Galvin

Der junge Pianist Elliot Galvin begleitete Shabaka Hutchings auf dessen letzter Tour, er kollaborierte mit Musiker*innen wie Emma-Jean Thackray und Floating Points und hat durch die Band Ydivide einen direkten Draht zur Schweiz. Nun gastiert er mit seinem jüngsten Album &quot;The Ruin&quot; um ersten Mal mit seinem Solo-Projekt im Moods. Dass die junge kreative Szene Londons eine der wichtigsten Taktgeber des zeitgenössischen Jazz ist, ist weithin bekannt. Pianist Elliot Galvin vertritt allerdings einen etwas avantgardistischeren Ast jener Szene. Seine Kompositionen reichen von fliessend-schlängelnden Piano-Klängen, zu düsteren wie schönen musikalischen Gemälden englischer Landschaften. Elliot Galvins unkonventionelle Piano- und Synth-Klänge werden ergänzt durch die renommierte Bassistin und Sängerin Ruth Goller, Drummer Sebastian Rochford (Polar Bear, Patti Smith), und Violinistin Mandhira de Saram.

HSLU @ JazzBaragge

Tillmanns toller Jam im Moods

Till Ostendarp

Das freudige Motto von Tillman Ostendarps einmaliger Jamsession, die der Multiinstrumentalist im Rahmen seiner Carte Blanche veranstaltet, verrät schon alles. Location? Moods. Genre? Partyhits. Die Band? Sterne des Zürcher Musikfirnaments und alle, die mitmachen wollen.

Multiinstrumentalist

Roberto Fonseca & Vincent Ségal

Roberto Fonseca und Vincent Segal zeichnen sich seit Jahren durch ihre Fähigkeit aus, Genregrenzen zu überschreiten. Ihre Karrieren sind eine Reise durch verschiedene Musikstile, von zeitgenössischer Musik über Elektro und Jazz bis hin zu Weltmusik. Roberto Fonseca debütierte mit dem Buena Vista Social Club und hat seitdem ununterbrochen mit Künstlern wie Omara Portuondo, Herbie Hancock, Esperanza Spalding, Ibrahim Maalouf, Fatoumata Diawara, C. Tangana und Damon Albarn zusammengearbeitet, um nur einige zu nennen. Vincent Ségal seinerseits spielt mit Künstlern aus allen Bereichen, darunter Cesaria Evora, Vanessa Paradis, Dick Annegarn, Ballaké Cissoko, Matthieu Chedid und Glenn Ferris, und das mit einer verblüffenden Leichtigkeit. Beide wurden für renommierte Preise wie die Victoires de la Musique und die Grammy Awards nominiert. Die sinnlichen, schwungvollen Tänze von La Gran Diversion – Robertos neuestem Projekt – laden uns nun zu einem intimeren Dialog ein: «Dieses Projekt entstand aus dem Wunsch heraus, Geschichten zu erzählen und Erfahrungen wiederzugeben. Der klassische Einfluss ist präsent, und die meisten Themen wurden im Voraus ausgearbeitet, aber sobald wir im Studio waren, haben wir uns auf Improvisation eingelassen, um den Moment einzufangen. Es ist eine wahre Freude, mit Vincent zu arbeiten, denn seine Art zu kreieren kennt keine Grenzen und keine Einschränkungen.» Vincent fährt fort und beschreibt ihre Zusammenarbeit als «entspannt aber gleichzeitig konzentriert» und als ein Privileg, einander zuhören und gemeinsam auftreten zu können. Nachdem sie vor Jahren zum ersten Mal zusammen mit Mayra Andrade aufgetreten waren, traten Roberto und Vincent als Duett auf und halfen sich gegenseitig, ihre Instrumente und Charaktere neu zu entdecken. Was ursprünglich als Film begann, der nach Musik verlangte, führte schließlich zu Musik, die Bilder im Publikum hervorruft und heraufbeschwört.

The Voice Laboratory – Finissage Ausstellung & Performances

«The Voice Laboratory»-Performance 1: Ein gesprochenes Stück aus Fragmenten gemeinsamer Online-Video-Gespräche über Fragen zur Stimme – eine Spielanordnung, die der Bedeutung und dem Wesen der Stimme in reflexiver und gesprochener Form nachspürt. «The Voice Laboratory»-Performance 2: Über Jahre hinweg sammelt sich ein Liedrepertoire an – doch wie damit umgehen? Welche Funktionen übernehmen die Partituren? Und welche Aufführungspraxis schält sich aus der individuellen Sammlung? «The Voice Laboratory»-Ausstellung von Dalia Donadio in Kollaboration mit: Lilly Johanna Coenen, Jela Hasler, I:Am-Lab, Isabell Klara, Tobias Meier, Christoph Oeschger, Andri Schatz, Anne-Catherine Studer, Andreas Wüthrich, Dr. Salome Zwicky (SingStimm Zentrum Zürich) --- Mit «The Voice Laboratory» erforscht die Sängerin Dalia Donadio in ihrer Carte Blanche die menschliche Stimme als kulturelles, soziales und energetisches Phänomen. Im Mittelpunkt geschieht die kreisende Annäherung an ein Phänomen, das sich definitiver Erfassung entzieht – eine experimentelle Erforschung dessen, was Stimme sein könnte. The «Voice Laboratory» ist dabei Gefäss intensiver handwerklicher Bearbeitung, die sich besonders für das Dazwischen von wissenschaftlicher Forschung im Bereich der Stimmphysiologie und Erfahrungen aus der persönlichen Klangarbeit interessiert. Jenseits von Feelgood-Rhetorik und esoterischer Verklärung wird die Stimme durchmassiert, transformiert und in ihrer Vielschichtigkeit erkundet. In kollaborativer Praxis mit Musiker*innen und Kunstschaffenden u.a. aus Performance, Fotografie, Film und digitaler Kunst gestaltet Dalia Donadio die Formate Ausstellung, Performance, Workshop und Konzert. Adresse des Konzertlokals: Galerie la_cápsula, Anwandstrasse 9, 8004 Zürich

New Regency Orchestra

Spirit Music Society & Moods present

Das New Regency Orchestra hat in den letzten vier Jahren mit seiner mächtigen zwölfköpfigen Bläsersektion, seiner eingespielten fünfköpfigen Rhythmusgruppe und den New-Regency-Orchestra-Tänzer*innen für Furore gesorgt und der Blütezeit des Latin Jazz und der Salsa neue Energie und Arrangements verliehen. Das Orchester ist die Idee seines künstlerischen Leiters Lex Blondin, dem Mann hinter dem Total Refreshment Centre und Mitbegründer der Church of Sound. Durch seine langjährige Leidenschaft für Jazz entdeckte er die explosiven afro-kubanischen Rhythmen, die im New York der 40er Jahre durch den Paten des afro-kubanischen Jazz, Mario Bauzá, en Vogue waren. Dieser lebendige Sound war Musik zum Tanzen und fand im New York Palladium eine Heimat, einem prägenden Ort der Freiheit und des Ausdrucks, der für die Entwicklung der Szene von entscheidender Bedeutung war. Die 18-köpfige afro-kubanische Jazz-Bigband ist eine der mitreissendsten Ensembles Londons. Es lässt das New York der 50er mit der zeitgenössischen Kraft und Energie einer ganzen Reihe der besten Latin- und Jazzmusiker Londons erklingen. Das Repertoire von NRO interpretiert einige der besten Stücke aus dieser goldenen Ära neu. Von René Hernandez und Tito Puente aus den frühen 1950ern bis hin zur Salsa von Rafael Labasta und Orlando Marin aus den 1970ern, produziert und aufgeführt mit frischem Londoner Feuer.

DJ Hugo Leite & MimoMusic

DJ Hugo Leite kommt direkt aus Portugal zu uns und lädt gemeinsam mit Mathias von MimoMusic vor und nach dem Konzert zum Tanzen und Verweilen ein. Die beiden DJs sind international gefragt und unterwegs. Es freut uns sehr, dass wir sie für diesen Abend gewinnen konnten! Aus ihrer grossen Sammlung sowie aus Eigenkompositionen bitten sie die Tänzer:innen zu Salsa und Mambo auf die Tanzfläche. Die Tanzschuhe können poliert werden!

Musikalische Leitung

Baritonsaxophon

Altsaxophon

Tenorsaxophon

Posaune

Bongos

Congas

Samuel Rohrer Solo

Als improvisatorischer Soundpilot versteht es Samuel Rohrer meisterhaft, zwischen Beats und Anti-Beats zu navigieren. Mit seinem künstlerischen, stilübergreifenden Gesamtkonzept erweitert er die Welt des reinen Rhythmus um verspielte emotionale Komponenten. Ursprünglich aus der akustischen Improvisationsmusik kommend und seit einigen Jahren in der Welt der elektronischen Musik zu Hause, schuf sich Samuel Rohrer zwischen diesen beiden Räumen seinen ganz eigenen Platz. Während seiner 25-jährigen Karriere hat der experimentelle Schlagzeuger mit Größen wie Ricardo Villalobos, Laurie Anderson und Oren Ambarchi zusammengearbeitet. Nun sitzt er mit seinem Debütalbum «Music for Lovers» selbst am Steuer. Auf dem Album, auf dem neben Synthesizern, Keyboards und Soundeffekten natürlich auch eine Vielzahl von Perkussionsinstrumenten zu hören sind, verbindet er auf spielerische Weise Jazz-Ambience mit Elektronik. Damit zollt er der Minimal-Techno-Szene Tribut, die die Berliner Club-Community maßgeblich mitgeprägt hat. Tiefgründig, nachdenklich und gleichermaßen faszinierend weist das Album erinnert es etwa an Nils Frahm auf, ist aber dennoch einzigartig. Es ist ein Jazz-Jamboree aus Stimmungen, Gefühlen und Texturen, geschaffen für (Musik-)Liebhaber*innen von einem Mann, der Musik liebt – ein Spektakel und ein wahrer Segen zugleich.

Moog

Louis Matute Large Ensemble

«Dolce Vita»

Louis Matute wuchs in Genf auf. Die in seinem Namen angedeutete lateinamerikanische Note begleitet ihn aber schon sein Leben lang. Seine Reisen führten ihn nach Spanien, Kuba, Costa Rica, Honduras und zuletzt nach Brasilien, wo er «Dolce Vita» mit den Stimmen von Joyce Moreno und Dora Morelenbaum vollendete. Die neuen Stücke des neuen Albums glänzen durch das herausragende Schlagzeugspiel von Nathan Vandenbulcke, die energiegeladenen Trompetensoli von Zacharie Ksyk und die sinnlichen Tenor-Saxophon-Soli von Léon Phal, getragen vom Kontrabassisten Virgile Rosselet und der enormen Vielseitigkeit des Pianisten Andrew Audiger. Gleichzeitig erkennt man Louis Matutes sensible Handschrift, die berührenden Melodien, den besonderen Klang von Trompete und Tenorsaxophon sowie den Gitarristen wieder, dessen seltene Soli umso mehr Wirkung entfalten. Louis Matute ist mehr als nur Musiker – er ist eine neugierige, engagierte Persönlichkeit, deren Stil man schon nach wenigen Takten erkennt. Louis Matute und sein Large Ensemble öffnen Türen und Fenster, reisen, erzählen, finden im Menschlichen und in der Resilienz Heilung – und schaffen daraus Musik, die das Persönliche berührt und das Universelle anspricht. Und vielleicht dürfen wir «Dolce Vita» ja dann doch einmal ganz wörtlich nehmen?

Alabaster DePlume

Musiker und Spoken-Word-Dichter Alabaster DePlume versteht es, Worte ebenso gekonnt einzusetzen wie die träumerischen Melodien seines Saxophons. Auf seinem jüngsten Album «A Blade Because A Blade Is Whole» (2025) beschäftigt sich der Mancunian [= Person aus Manchester] mit dem Konzept des Heilens und geheilt Werdens in all seinen Facetten. Dabei bleibt er seinem unverkennbaren Sound aus Ethio-Jazz und geisterhaften Melodien stets treu, bei dem sich sein vibratogetränktes Saxophon um seine philosophischen Texte schlängelt. Furchtlos absurd und mit unverfälschten, offen dargestellten Gefühlen. So tönt die Musik auf seinem Album, doch was live erklingt, erfährt man erst am Abend selbst: Wer Alabaster DePlume schon 2022 im Moods erlebt hat, weiss von seinen besonders spontanen Liveshows und davon, wie sich der Konzertsaal im Nu mit Menschlichkeit, Feingefühl und Liebe füllt.

Sampler

Matt Johnson (of Jamiroquai)

«Warrior Princess»

Seit über zwei Jahrzehnten ist Matt Johnson ein wichtiges Mitglied von Jamiroquai, spielt Keyboard und hat in dieser Zeit die meisten Songs der Band mitgeschrieben. Außerdem war er Co-Produzent ihres letzten Albums «Automaton». Mit seinem einzigartigen Stil, der Funk, Acid Jazz und Electronica verbindet, ist er unter Keyboardern legendär geworden. Er betreibt auch einen beliebten YouTube-Kanal, der sich ganz dem Keyboard widmet und über 140.000 Abonnenten hat. Neben Jamiroquai hat Matt auch für viele andere Künstler Songs geschrieben und auf deren Alben mitgewirkt, darunter Dizzee Rascal, Duﬀy, Ashanti, Lizzo, Purple Disco Machine, Nolwenn Leroy, Lucky Daye, Newton Faulkner und viele mehr. Im Jahr 2025 schloss sich Matt dem renommierten Pariser Label Naïve an, um sein zweites Soloalbum «Warrior Princess» zu veröffentlichen, ein wunderschönes Album im Retro-Sound, inspiriert von der modernen Aktivistin und Heldin Greta Thunberg. Das Album verbindet 70er-Jahre-Funk, Cosmic Jazz und Raw Soul und features renommierte Musiker wie Jeﬀ Lorber, Cory Wong und Will Lee.

Marta Pereira da Costa

Marta Pereira da Costa ist Instrumentalistin, Komponistin und Bandleaderin. Historisch vor allem von Männern gespielt, brach sie mit der Tradition und wurde die erste Frau, die professionell portugiesische Gitarre im Fado spielt. 2014 erhielt sie den Instrumentalist Award der «Amália Rodrigues Foundation» und 2016 veröffentlichte sie ihr selbstbetiteltes Debütalbum bei Warner Music Portugal, auf dem renommierte Künstler wie Rui Veloso, Dulce Pontes, Camané, Richard Bona und Tara Tiba zu hören sind. Seitdem trat sie auf renommierten Bühnen wie dem Kennedy- und dem Lincoln-Center auf; ihr Auftritt bei Tiny Desk NPR (2023) wurde über eine Million Mal angesehen. Vor kurzem wurde sie mit dem «Voz do Operário Composition Award» (2024) und dem Best Instrumental Award bei den IPMA Awards (2025) ausgezeichnet. Im Laufe ihrer Karriere hat Marta ihre Musik auf fünf Kontinenten präsentiert und ist unter anderem in Australien, Brasilien, den Vereinigten Staaten, China, Indien, Indonesien, Spanien und Frankreich aufgetreten und hat sie damit als eine der weltweit führenden Botschafterinnen der portugiesischen Musik etabliert. Ihr aktuelles Projekt präsentiert die portugiesische Gitarre als eine Stimme, die durch die traditionellen Klänge des Fado und der portugiesischen Musik reist und gleichzeitig neue musikalische Landschaften wie Jazz, kapverdische Morna, brasilianischen Choro und Global Sounds erkundet. Im Trio wird Marta von João José Pita Junior an der siebensaitigen Gitarre und Carlos Miguel Antunes am Schlagzeug begleitet. Gemeinsam werden sie Stücke aus ihrem neuen Album Sem Palavras wie Verdes Anos, Summertime, Dia de Feira sowie aus ihrem Debütalbum (Terra, Encontro und Fado Lopes) spielen.

The Voice Laboratory – Konzert

Im «The Voice Laboratory»-Konzert tragen die drei Sängerinnen Dalia Donadio, Laura Kull und Lena Kiepenheuer zusammen, was ihre stimmliche Arbeit prägt – Melodien, Texte, Fragmente. Zitate stehen so neben Lautäusserungen, gesprochene Erzählungen neben melismatischen Loops. Die Stimme agiert in wechselnden Rollen: Sie ist reflexive Instanz, Echo, Hohepriesterin und kontingenter Entwurf. Zusammen mit den Musikern Moreno Donadio, Marc Méan, Tobias Meier und Jonas Ruther entsteht eine Collage aus der eigenen und der kollektiven Erinnerung. --- Mit «The Voice Laboratory» erforscht die Sängerin Dalia Donadio in ihrer Carte Blanche die menschliche Stimme als kulturelles, soziales und energetisches Phänomen. Im Mittelpunkt geschieht die kreisende Annäherung an ein Phänomen, das sich definitiver Erfassung entzieht – eine experimentelle Erforschung dessen, was Stimme sein könnte. The «Voice Laboratory» ist dabei Gefäss intensiver handwerklicher Bearbeitung, die sich besonders für das Dazwischen von wissenschaftlicher Forschung im Bereich der Stimmphysiologie und Erfahrungen aus der persönlichen Klangarbeit interessiert. Jenseits von Feelgood-Rhetorik und esoterischer Verklärung wird die Stimme durchmassiert, transformiert und in ihrer Vielschichtigkeit erkundet. In kollaborativer Praxis mit Musiker*innen und Kunstschaffenden u.a. aus Performance, Fotografie, Film und digitaler Kunst gestaltet Dalia Donadio die Formate Ausstellung, Performance, Workshop und Konzert.

SOYUZ (СОЮЗ)

Album Release

Hinter dem Kreativkollektiv SOYUZ aus Minsk, Belarus, stecken die Multiinstrumentalisten Alex Chumak und Mikita Arlou. Seit ihrem Umzug ins polnische Warschau 2022 sind auch der Schlagzeuger Albert Karch und Gitarrist Igor Wiśniewski teil des Kollektivs. Das Grossartige an SOYUZ ist, dass sie eigentlich zwei Bands in einer sind. Im Studio fungiert Alex Chumak als Komponist, Arrangeur und künstlerischer Leiter und gestaltet sorgfältig ausgearbeitete Aufnahmen, die sich aus Jazz, Folk, globalen Pop-Traditionen und üppiger Orchestrierung zusammensetzen. Auf der Bühne jedoch wird SOYUZ zum Live-Quartett, wobei Improvisation und die individuelle Stimme jedes einzelnen Mitglieds die Songs neu gestalten und oft sowohl das Publikum als auch die Band selbst überraschen. Im Moods werden SOYUZ ihr neuestes Album «KROK» (dt. Schritt), welches im Oktober 2025 auf Mr. Bongo erscheint, präsentieren. Es ist das erste Album des Kollektivs, das fast vollständig auf belarusisch komponiert ist und verwebt ihre osteuropäischen Wurzeln mit Jazz, Folk und globalen Einflüssen.

Vincent Peirani

«Living Being IV – Time Reflections»

Mit «Living Being IV: Time Reflections» präsentieren Vincent Peirani und sein Quintett ein Werk, das tief in der musikalischen Reflexion und Erforschung der Zeit verwurzelt ist. Das neue Projekt, das aus Émile Parisien, Tony Paeleman, Yoann Serra und Julien Herné besteht, lädt zu einer klanglichen Erkundung ein, bei der jede Note von der Komplexität und den Nuancen des Lebensrhythmus geprägt ist. Entstanden in dem besonderen Kontext der ersten Monate der Covid-Pandemie, ist dieses Album das Ergebnis eines Moments der Zwangspause für Vincent Peirani, eines Bruchs in seinem Alltag, der ihn dazu brachte, darüber zu meditieren, wie die Zeit unser Leben und unsere Wahrnehmung der Welt formt. «Time Réflections» ist somit ein Mosaik, in dem sich der zeitgenössische Pulsschlag und die Echos traditioneller Tänze kreuzen, mit einem starken Augenzwinkern auf die Barockmusik, die hier einen unerwarteten und poetischen Platz findet.

Akkordeon

Sopransaxophon

Zurich Jazz Orchestra feat. Karin Meier

Karin Meier kommt zurück, um die langjährige, tolle Zusammenarbeit mit dem Zurich Jazz Orchestra weiterzuführen. Neben Karins eigenen Kompositionen stehen auch neue Interpretationen von Jazz-Standards und Pop-Klassikern auf dem Programm, die alle von Ed Partyka für das ZJO arrangiert wurden. Das Orchester wird in erweiterter Besetzung auftreten, mit Waldhorn, Tuba und einer ganzen Reihe von Holzblasinstrumenten, um der Musik zusätzliche Texturen und Klangfarben zu verleihen. Ausserdem wird das Orchester auch Instrumentalmusik von Ed Partyka spielen, darunter die Fortsetzung und Weiterentwicklung der Komposition, die zum 30-Jahr-Jubiläum des Orchesters geschrieben wurde. Der erste Satz des Werks, «There Will Be Another You», wurde am 2. Oktober uraufgeführt, und das Stück wird sich bis Mai 2026 weiterentwickeln und wachsen. Wie immer werden sowohl die Instrumental- als auch die Vokalarrangements von den herausragenden Solistinnen und Solisten des Zurich Jazz Orchestra interpretiert.

Leitung

Bassposaune

Horn (Cornet)

Tuba

Palko!Muski

20 Years of Palko! and still dirty

Irgendwo zwischen Charkiw und Porto, Malmö und Napoli in einem versifften Probelokal mit viel Schnaps und Tränen bekommen ein paar Jungs, die soeben eine Band aufgelöst hatten, Besuch von Palko! Der Palko! war ein Reisender, eine Vision, die die Gründungsmitglieder von nun an beseelte. Palko! liebte die mündlich überlieferte Musik und die Freiheit und Melancholie der Kosaken. Der laute und stampfende Beat war sein bester Freund und trieb ihn ständig zur Tanzbewegung. Die Band mischte die Substanz dieses Genius mit Rock und Punk und so wuchs dieser einzigartige Mix über die Jahre zu über 100 Liedern heran. Es gibt wohl keine menschliche Konstitution, die nicht an und während eines Konzertes von Palko!Muski durchlebt wird: da werden Gläser an die Wand geschmissen, Körpersäfte ausgetauscht; Extase und Katharsis gelebt. Ausgeschlagene Zähne, Freudetränen, Euphorie bis Zorn, Verzweiflung und Hoffnung, ein Gefühlsbad im Rausch. Paare finden und trennen sich, Kinder werden gezeugt und geboren.

DJ Emina

Warm Up & Afterparti

Bei der BalkanEkstra Parti wird weder vor orientalischen Klängen noch vor arabischen Rhythmen Halt gemacht – Hauptsache tanzbar heisst die Devise! Wo diese Reise durch die Nacht hinführt ist ungewiss, aber eins ist sicher: Getanzt wird bis die Hüften schmerzen, die Füsse brennen und die Sterne langsam im Morgengrauen verblassen.

Bloco Adalu

Adalu & Moods present: Adalu Carnaval

Tropikaos – Carnaval Adalu lädt zu einer Reise durch Klang, Optik und Kultur des brasilianischen Karnevals ein; wo die Menschen auf den grössten Strassenfesten der Welt in farbenfrohen, harmonischem Chaos schwelgen. Die Stadt Zürich liebt brasilianische Rhythmen und deshalb haben wir perkussive Gruppen zusammengerufen, um in einem Tempo zusammenzukommen. Unter der Leitung des talentierten Musikers Juninho Ibituruna werden diese Gruppen unsere Karnevalsparty im Foyer des Schiffbaus eröffnen. Ähnlich einem traditionellen «Bloco de Rua» bringen wir die Gruppen Borumbaia, Zurich School of Samba &amp; Pandeiro LX zusammen.

Coletivo Gira

Frauen vereinen ihre Stimmen, ihre Instrumente und ihre Liebe zum Samba in einer Darbietung, die die grossen Samba-Klassiker wieder aufleben lässt, aber auch den Samba der neuen Generation vorstellt und dabei immer auch die Arbeit anderer Frauen, ob als Komponistinnen oder Interpretinnen, in den Vordergrund stellt. Im Mittelpunkt des Konzerts stehen der Samba und andere afro-brasilianische Rhythmen aus dem Samba de Terreiro. Der Klang der Handtrommeln (Ilú und Conga) ist in den meisten Arrangements präsent und verleiht ihnen eine originelle Klang Identität, ohne die Wurzeln zu vergessen. Die Gruppe besteht aus Multi Instrumentalistinnen aus verschiedenen Teilen Brasiliens und der Welt, die ihre Eigenheiten und Einflüsse einbringen, was zu einer einzigartigen Darbietung voller Kraft, aber auch Leichtigkeit führt, ohne den Aktivismus und Widerstand der Frauen zu vernachlässigen, die immer noch für eine stärkere Repräsentation im Samba kämpfen.

Banda Tropikaos

Die Band Tropikaos, zusammengestellt vom verein Adalu, hat sich zum Ziel gesetzt, den besten Sound des brasilianischen Karnevals zu präsentieren. Mit ihrer energiegeladenen Performance nehmen sie die Zuhörer mit auf eine musikalische Reise durch ganz Brasilien - von Norden bis Süden, von alten Klassikern bis zu modernen Hits. Mit ihrer energiegeladenen Performance faszinieren die talentierten Musiker*innen das Publikum und entfachen einen unwiderstehlichen Groove, der zum Tanz verführt. Die Band Tropikaos ist mehr als nur eine Band, sie sind ein künstlerisches Erlebnis, das die Sinne verzaubert und pure Lebensfreude entfacht.

Miss Trópica

Adalu Carnaval

Cris Trópica aus Rio de Janeiro, setzt sich als Ziel, die umfangreiche brasilianische Musik-Kultur, mit all ihren Wurzeln und Einflüssen, in Europa zu verbreiten. In ihrem Projekt BelezaPuraSomSistema kooperiert sie regelmässig mit DJs vom In- und Ausland, die ihre Leidenschaft für die brasilianische Musik teilen. Sie wird die Party mit heissen brazil beats beenden.

Meshell Ndegeocello

Meshell Ndegeocello hat alle Höhen und Tiefen durchlebt, die eine Musikkarriere zu bieten hat. Sie entsagte der treuen Genrezugehörigkeit und wandte sich stattdessen der Originalität und eigenen musikalischen Wahrheit zu. Und so folgten ihr auch ihre Fans auf ihren Ausflügen in Soul, R&amp;B, Jazz, Hip-Hop und Rock – stets geleitet von ihrer Suche nach Liebe, Gerechtigkeit, Respekt und Aufklärung. Neben The Soulquarians oder Maxwell gilt Meshell Mdegeocello als Pionierin der Neo-Soul-Bewegung und seit über 30 Jahren definiert sie stets neu, was es bedeutet, eine weibliche und queere Künstlerin zu sein. Aber Meshell ist vor allem eines: Eine Bassistin, die ihren warmen, fetten und melodischen Groove in alles einbringt, was sie tut. Nach ihrem gefeierten Blue Note-Debüt im Jahr 2023 mit «The Omnichord Real Book» kehrt Meshell mit dem im Sommer 2024 veröffentlichten Album «No More Water: The Gospel of James Baldwin» endlich auf die Moods-Bühne zurück.

Hammondorgel

Leslie

«Zugzwang» (Uraufführung)

Tomas Korber, Christian Kobi, Tobias Gerber, Karolina Öhman, Tamriko Kordzaia, Christian Wolfarth

Das Handeln unter Bedingungen begrenzter Kontrolle: Entscheidungen müssen in einem Geflecht aus Rückkopplungen getroffen werden, dessen Verlauf nur teilweise vorhersehbar ist. «Zugzwang» ist eine Komposition für elektroakustisches Ensemble von Tomas Korber, entstanden im Rahmen des Werkjahres der Stadt Zürich 2025. Das Ensemble verbindet akustische Instrumente mit einem Netzwerk aus Mikrophonierung, Software und Feedbackschlaufen. Daraus entwickelt sich eine Musik in extremen Registern, mit starken dynamischen Kontrasten und einem archaischen, rauen Klangbild. Repetitiv und prozessorientiert gelangen Hörer*innen und Musiker*innen in einen tranceartigen Zustand, in dem die Zeit unendlich gedehnt scheint. «Zugzwang» untersucht so das Zusammenspiel von individueller Entscheidung, kollektiven Prozessen und der Eigendynamik eines instabilen Systems. Seit zwanzig Jahren setzt sich das Schweizerisch-Georgische Festival Close Encounters für Begegnung und Kollaborationen, für experimentelle Spiel- und Denkräume ein. Es ermöglicht den intensiven Austausch zwischen den beteiligten Musiker*innen – über geographische Distanzen, aber auch über Szenen und Stile hinweg: in der Schweiz wie in Georgien positioniert sich Close Encounters bis heute entschieden quer zu institutionellen, stilistischen und szenebezogenen Markierungen und verbindet dadurch auch unterschiedlichste Publika.

«Homo Freq»

An Experimental Electroacoustic Opera

«Homo Freq, an Experimental Electroacoustic Opera» ist nicht einfach eine Mini-Oper. Es ist eine Plattform für Experimente, ein Raum, in dem das alte und unbewegliche Monster Oper übersetzt und neu gedacht wird. Das Projekt der georgischen Musikerin Tiko Gogoberidze entstand gemeinsam mit Nasi Chavchavadze und Lisa Kereselidze, die beide, wie auch Tiko, ursprünglich aus der klassischen Musik stammen. Ihr Hintergrund trifft in «Homo Freq» auf experimenelle Praxis. Das Ergebnis: Eine experimentelle elektroakustische Oper. Die Mittel reichen dabei von Live-Elektronik und klassischem Gesang über freie Improvisation bis hin zu experimentellen Zugängen – mit einem Libretto, das sich ständig verändert, je nach Mitwirkenden, je nach ihren Stimmen und Perspektiven. An diesem Abend wird der junge in Zürich lebende Komponist und Musiker Felix Friedrich mitwirken. Tiko Gogoberidze gehört zu einer jungen Generation der georgischen Elektronik- und Clubszene, und ihre Musik reicht von technoider Clubmusik über noisig-experimentelle Projekte bis hin Pop und Musiktheater. Bezeichnend für Tikos Arbeit ist ihre Offenheit, mit der sie sich in unterschiedlichen musikalischen Feldern bewegt und dabei immer eine ganz eigene Handschrift beibehält. Nicht nur versierte Elektronikerin ist Tiko Gogoberidze, sondern auch klassisch ausgebildete Sängerin.

25 YEARS VINTAGE JAM BAND

Fred Wesley Generations Trio

Fred Wesley schrieb gemeinsam mit James Brown und George Clinton als einer der Architekten des Funk Geschichte. Nun schlägt Fred Wesley ein neues Kapitel auf, das ihn mit seinen Jazz-Wurzeln und einer spannenden Zukunft verbindet: Generations. Generations ist ein wandelbares Trio mit Fred Wesley an der Posaune, Leonardo Corradi an der Orgel und dem französischen Schlagzeuger Tony Match. Ursprünglich kamen die drei Musiker zusammen, um dem souligen Jazz des legendären Organisten Jimmy Smith Tribut zu zollen – und fanden sofort eine musikalische Chemie, die sie bis heute gemeinsam grooven lässt. Dabei begrenzen sich die drei nicht nur auf Jazz. Sie grooven gemeinsam durch Rap, Soul und Funk und schaffen einen Sound, der ebenso vielseitig wie mitreissend ist. Zusammen heben sie ihren Groove auf ein neues Level und bringen den Rhythmus zum Leben.

Laura & Luzius Schuler: Mandà in Lunga

Es ist Musik von kristalliner Schönheit, gleichermassen nach Naturspektakel klingend und Dokument intimster musikalischer Interaktion. Laura und Luzius Schuler reisen im Herbst und Winter 2023 ins Val Poschiavo, um hochalpinen Geschichten zu lauschen. Hier sehen sich die Geschwister Laura und Luzius mit der schroffen Bergwelt konfrontiert und einer sich im Wandel befindenden Landschaft. Angesichts dieser Szenerie werden Stimme und Instrumente zu Nebel und Schatten. Sie pulsieren wie der Fels, den sie umgeben. Die Orgel, kein Monolith mehr, sondern flexibel, dehnbar, zum Singen fähig, während der Bogen den Wind, das Licht, das Wasser spielt. Diese Musik gleicht dem Pinselstrich der Sonne, die den Stein lebendig malt, durch die Wolken hindurch. Aufgenommen in der reformierten Kirche Poschiavo, mit Luzius an der Kirchenorgel und Laura, singend, an der Violine, entstand innert zwei Sessions das Album «Manda in Lunga» (Ronin Rhythm Records, 2025). Natur im Schwebezustand, improvisierte Auseinandersetzungen mit der angrenzenden Umgebung, irgendwo zwischen akustischem Ambient und experimenteller Klangkunst. Adresse des Konzertlokals: ZHdK, Konzertsaal 2 (Orgelsaal), 7.K12, Pfingstweidstrasse 96, 8005 Zürich

Kalem Ensemble

Kultur Shock & Moods present

Das Ensemble Kalem verleiht traditioneller Balkanmusik ein frisches, modernes Klangbild. Es besteht aus den beiden Musikern Stefan Ilić (Gesang/Violine) und Dušan Popović Lipovac (Gitarre). Ihr gemeinsamer Stil entsteht aus einer fein abgestimmten Fusion ihrer musikalischen Einflüsse: Dušan bringt mediterrane und klassische Klangfarben ein, während Stefan mit seinem authentischen Gesang und seiner Spielweise tief in der traditionellen Volksmusik verwurzelt ist. Vor Kurzem erschien ihr drittes Studioalbum «Polako», das neben neu arrangierten traditionellen Liedern auch vier eigene Kompositionen enthält.

Mario Peric

Nach dem ruhigen, sitzend Konzert kann man den Abend an der Bar ausklingen lassen. Serviert werden Global Beats weit über die Grenzen des Balkan hinaus. Mit der legendären Konzert- und Partyreihe «Kultur Shock» gehört Mario Peric als Veranstalter, DJ und Produzent zu den Pionieren der Balkanszene. Seit vielen Jahren begeistert er mit abwechslungsreichen, explosiven und verrückten Klängen das Publikum. Sein musikalisches Spektrum kann nicht auf eine Richtung festgelegt werden. Hauptsache, es passt!

Marie Krüttli & Ensemble

Für das Currents-Festival präsentiert Marie Krüttli neue Musik als ein Ritual des Werdens. Die Texte beschwören weibliche Kraft durch alte Göttinnen – Amaterasu, Isis, Athena – leuchtende, weise, mütterliche, mutige und zutiefst beschützende Gestalten der Verwandlung. Diese Präsenz reflektiert eine Reise des persönlichen Wachstums und der Liebe, tief verwurzelt in der Natur und ihren Zyklen. Musikalisch stützt sich das Werk auf die zukunftsgewandte Sinnlichkeit und den Groove von Bilals jüngsten Schöpfungen sowie auf Baudelaires von Debussy vertonte Poesie, ergänzt durch die fein nuancierten Klangfarben von Poulenc und Ibert. Die Musik entfaltet sich als intime, weit gespannte Klangwelt, in der Mythos, Fürsorge und Stärke nachhallen.

Zola Jesus & Ensemble

Seit 2006 beschwört die US-Amerikanerin Nika Roza Danilova als Zola Jesus elektronische Goth-Zaubersprüche. Als Klangkünstlerin hat sie unermüdlich an ihrem Sound gefeilt und sich mit Art Pop, Klassik und brutalem Industrial Cold Wave auseinandergesetzt, um die Vorgänge in ihrer Seele zu erforschen. Bei ihrem Auftritt am diesjährigen Festival wird sie von der musikalischen Universalgelehrten Louise Woodward und einer All-Star-Besetzung klassischer Musiker*innen aus Zürich, darunter das renommierte Galatea Quartett, begleitet, um ein neues, hypnotisches und mitreißendes Stück für Gesang, Streichquintett und Waldhorn zu präsentieren.

Holland Andrews & yuniya edi kwon

Kay Zhang – ANCESTRAL ROOTS

ANCESTRAL ROOTS lädt Menschen zu einer Feier ein, die Herkunft und Kultur würdigt, gelebte und durchlebte Diaspora sowie Third-Culture-Identitäten, durch Klang, Erzählkunst und Gesang. Die Einladung ist dabei weit, lebendig und inklusiv. Die in Brooklyn, New York lebenden Komponist*innen und Musiker*innen Holland Andrews (they/them) und Yuniya Edi Kwon (sie/ihr) befassen sich in ihrer Arbeit mit Stimme, elektroakustischer Improvisation und interdisziplinären Performances. Ihre kollaborative Praxis ist eine entstehende, körperlich erfahrbare Erweiterung ihres Lebens als Ritualistinnen, spirituelle Praktizierende und Partnerinnen. Multiinstrumentalist*in und Produzent*in Holland Andrews arrangiert Musik für Stimme, Klarinette und Elektronik und nutzt die Kraft dieser Instrumente, um Themen wie Verletzlichkeit, Katharsis und Heilung zu verhandeln. yuniya di kwon verbindet in ihrer Arbeit wiederum Klang, Bewegung und Zeremonie, um Transformation, Grenzüberschreitungen und die Fähigkeit von Mythologie zu erforschen, gleichermaßen zu verbergen wie offenzulegen. Ihre gemeinsam entwickelte, sich im Entstehen befindende Oper „How does it feel to look at nothing“ bildet einen transdisziplinären Konvergenzraum für ihr geteiltes Leben, ihre queere-trans* Familie und ihre geliebten kreativen Linien, getragen von den grundlegenden Fragen, die sie miteinander verbinden und inspirieren. Ihre Arbeiten wurden u. a. im Whitney Museum, bei REDCAT, PICA, ISSUE Project Room, der Dia Art Foundation, der Performa Biennale, Roulette Intermedium, der Civitella Ranieri Foundation und anderen gezeigt. Holland und yuniya sind Guggenheim Fellows, wurden mit dem Foundation for Contemporary Arts Award, dem Creative Capital Award und dem United States Artists Fellowship ausgezeichnet. „How does it feel to look at nothing“ feiert im Herbst 2026 seine Weltpremiere und geht anschließend auf internationale Tournee. Kurator*in: Kay Zhang (she/they) ist Klangkünstlerin und erforscht Zwischenräume durch Sound, Performance, kuratorische Praxis und Forschung. Durch Experimente und Learning by Doing verbindet sie transdisziplinäre Kunst, queere feministische Theorie und Sound-Ökologien. Kay ist Gründungsmitglied von Kollektiv international Totem (KIT), River Oracle und ARKA und Teil des kuratorischen Teams von Les Complices* in Zürich. Ihre Arbeit fördert kollektives Zuhören, Praktiken der Fürsorge und interkulturellen Dialog durch Klangperformance und kuratorische Erfahrungen.

Klarinette

Antistatic

Das dänische Instrumental-Trio Antistatic schafft es, nur mit zwei Gitarren und einem Schlagzeug komplexe Soundlandschaften zu kreieren. Die Instrumente greifen dabei scheinbar mühelos ineinander und verzahnen sich mit perkussiven Gitarrenlinien und vertrackten Polyrhythmen zu hypnotischen Grooves zwischen Post-Punk und Math-Rock. Ihr Debutalbum «Relics» ist 2024 auf dem renommierten US Label Cuneiform Records erschienen und erhielt weltweit begeisterte Kritiken. In diesem Jahr wird die Band nun nachlegen und ein neues Werk veröffentlichen. Antistatic sind vor allem live ein Erlebnis. Sie schaffen es, Dynamik zwischen kontrollierter Präzision und kathartischem Ausbruch aufzubauen. Mit repetitiven, treibenden Rhythmen versetzen sie einen in Trance, nur um mit überraschenden Wendungen immer wieder neue Spannung zu erzeugen.

Sc'ööf

Sc’ööf gelten in Europa als das nächste grosse Ding. Die experimentelle Band, die unter anderem auch schon mit dem Zenith Award des European Jazz Network ausgezeichnet wurde, hat ihre eigene radikale Klangsprache entwickelt, die erfrischend abenteuerlich und provokativ ist. Mit ihrer Vorliebe für faszinierend seltsame Grooves und ihrer überschwänglichen Live-Energie ist jeder Auftritt von Sc’ööf wieder eine Überraschung. Das in der Schweiz ansässige Quartett besteht aus Schlagzeug und Laptop, E-Gitarre, zwei Saxophonen mit Elektronik und Sounddesign. Die Band kreiert damit akustische Glitch-Musik, indem sie erweiterte Techniken auf ihren Instrumenten einsetzen, atonale Melodien zu dichten, komplexen Rhythmen flechten und eine Vielzahl musikalischer Ideen, Jazz, Rock, Metal, Punk und experimentelle Musik zu etwas ganz Eigenem vermengen. Ihre Auftritte sind technisch beeindruckend und basieren auf starker individueller Musikalität und ihrer jahrelangen Zusammenarbeit. Die langen, repetitiven, sehr rhythmischen Strukturen hypnotisieren und die physische Energie ihres Spiels ist einfach unheimlich intensiv.

Intakt Records & Moods present

Skinny Bird

Zugänglichkeit

Zusätzliche Informationen zu den Tickets

So erreichst du das Moods